El jeroglífico culé (XXXVII)

Barcelona 3 – Alavés 1
Campeones de copa

Muy bien, pero a los culés…

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Cata barroca – Tercera añada (2): …y Vivaldi

Uno de los productos más celebrados de esta cosecha, sin el cual Nardini y Galuppi no habrían pasado a la posteridad, fue el concepto de concierto desarrollado por el “sacerdote rojo”: Antonio Vivaldi (1678-1741). Sus obras instrumentales, y especialmente sus conciertos, devinieron en paradigma del género debido a la frescura de sus melodías, ímpetu rítmico, su hábil tratamiento del color solístico y orquestal y unas es­tructuras formales claramente delineadas. Alrededor de dos tercios de sus conciertos están escritos para un solo instrumento solista con orquesta; casi siempre, como era común, para violín (más de doscien­tos), aunque también hay un número considerable para violonchelo (casi treinta), flauta travesera (más de diez), flauta dulce (tres), fagot o mandolina, entre otros instrumentos

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Cata barroca – Tercera añada (1): Nardini, Galuppi…

Siete caballeros bebiendo vino (William Hogarth)

El núcleo central de esta cata lo constituye una añada conocida tradicionalmente como “barroco pleno”, y en concreto del vino perte­neciente a la variedad “concierto”, al que pertenecen los ejemplos elegidos.

Fue durante las últimas dos décadas del siglo XVII cuando apareció un nuevo tipo de composición orquestal, el concierto, que se converti­ría en el tipo más importante de música orquestal barroca después de 1700. Este género permitió a los compositores combinar en una sola obra todas las innovaciones que se habían gestado en las décadas anteriores: el medio concertado y sus contrastes (tímbricos, rítmicos, etc.), la textura que separa un bajo firme y una voz superior elabora­da, una organización armónica basada en el tono mayor y menor, y la construcción de una obra de dimensiones extensas a partir de movi­mientos separados e independientes.

En la música para conjunto instrumental, pese a que el dominio italiano se vio amenazado a comienzos del siglo XVIII por franceses y alemanes (entre otras razones porque habían sido muchos los com­positores que habían viajado a Italia para formarse), los italianos si­guieron reinando de forma indiscutible como maestros de Europa; fue, asimismo, la era de la gran música para cuerda en Italia. Desde mitad del siglo XVI hasta el siglo XVIII, los compositores italianos fueron los más influyentes en Europa. En palabras músico y compositor alemán Johann Joachim Quantz, sus contemporáneos italianos

no ponen límites a la composición, y su concepción es grandiosa, alegre, expresiva, refinada, un tanto extraña, libre, atrevida, audaz, extravagante, y a veces no respetan las normas. […] La manera italiana de tocar es arbitraria, extravagante, amanerada, oscura, también a menudo audaz y extraña; de difícil ejecución, admite la introducción de muchos adornos y lleva consigo un notable reco­nocimiento de la armonía, pero despierta en los inexpertos más sorpresas que agrado (J. J. Quantz, Ensayo de un método para tocar la flauta travesera, 1752).

En los albores del siglo xviii se escribieron tres diferentes tipos de conciertos: el concierto orquestal, el concerto grosso y el concier­to solístico. Aquí escucharemos tres ejemplos del tercer modelo, en el que cobra protagonismo el contraste de sonoridades entre el/los instrumento/s solista/as y el resto de la agrupación. La orquesta es­taba casi siempre integrada por una sección de cuerda que se dividía a su vez en violines primeros y segundos, violas, violonchelos y con­trabajos, a los que se añadía el bajo continuo, normalmente integrado por algún instrumento polifónico como el clavecín o la tiorba.

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Cata barroca – Segunda añada: Castello y Legrenzi

El vaso de vino (Jan Vermeer)

Los músicos del siglo XVII exploraron nuevas esferas emocionales y ampliaron el lenguaje para dar cabida a una música más humana y mundana. Durante la primera mitad del siglo XVII muchos de los com­positores trataron de fundir las nuevas corrientes musicales con las fórmulas heredadas del renacimiento, lo que generó en muchos ca­sos cierta discrepancia entre intención y forma; fue una fase necesaria para gestar y consolidar nuevos recursos de timbre, forma y armonía, para elaborar un lenguaje común con una gramática, una sintaxis y un vocabulario firmes con que los compositores pudieran expresar ade­cuadamente sus ideas y acabaran moviéndose con libertad.

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Cata barroca – Primera añada: Gabrieli y Bassano

El violinista alegre con un vaso de vino (Gerard van Honthorst)

Una interesante modalidad en las catas de vinos es la llamada “cata vertical”. Consiste en la degustación de una misma marca de vino, pero de distintas añadas, lo que permite valorar su evolución e identificar cuáles son más del gusto de quien las prueba. Una cata de este tipo es la que se propone aquí, en la que podremos saborear frutos del barroco italiano de tres de sus principales épocas: el barroco incipiente, el barroco medio y el barroco tardío, donde encontramos muchos de los elementos que hoy sole­mos clasificar como preclásicos.

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Canciones estupendas (46) – Clube da esquina nº 2 (Milton Nascimento)

Una portada sin una sola letra, con la foto de dos niños sentados en un bancal de tierra mirando a la cámara, uno blanco con cara de pillo, otro negro y serio. En cierta forma, el reverso del Disco Blanco de los Beatles, con el que se le ha comparado no sin motivo. Y en ese disco, una canción llamada Clube da esquina nº2 (porque hubo un nº1 en un disco anterior), que resume musicalmente esos contrastes, la poderosa naturaleza y la religiosidad del estado de Minas Geraes en el que se crió Milton Nascimento, su exuberancia y su intimismo. Y lo hace con una sencillez fascinante, con poco más, a primera vista, que un guitarrista canturreando y jugando con su guitarra sobre un fondo rítmico, también sin letras.

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Móviles, ni en silencio

El barítono Christopher Maltman interrumpió el pasado martes su recital en la Sala Pequeña del Concertgebouw para dirigirse a tres señoritas del público:

“Están ustedes directamente en mi línea de visión, y tengo claro que no desean estar aquí. Las estoy viendo chatear y usar su móvil. Si no quieren estar aquí, váyanse”

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¿Qué es lo que asoma (IV-8)

Este mes, otra gloria de la humanidad, aunque mucho menos popular de lo que merece. Es relativamente fácil de reconocer a partir del segundo acorde, e incluso con el primero,  siempre que se conozca, claro. En caso contrario, atentos al descubrimiento.

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Migas de Proust (10)

…el recordar una determinada imagen no es sino echar de menos nuestra vida de entonces; el recordar una determinada imagen no es sino echar de menos un determinado instante, y las casas, los caminos, los paseos, desgraciadamente son tan fugitivos como los años.

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EBNDCD – También exigencia vocal, también coloraturas

…también él [Bach] es agresivo en extremo cuando lo cree conveniente y su escritura vocal, dentro de los inevitables límites que le marca la época, es en extremo complicada y difícil exigiendo una técnica humanamente perfecta (casi ninguna soprano puede cantar, como es debido, exacta y musical desde todos los ángulos, una obra como la Cantata 51; de hecho sólo la hemos oído como tal, en grabación de hace años -1950- y de modo maravilloso, a Elisabeth Schwarzkopf).

Josep Soler: J.S. Bach. Una estructura del dolor

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Amanecer sobre el rio Moscova, el Preludio de Khovanshchina

Moscova

Khovanshchina, la opera que Mussorgsky dejó pergeñada en un enorme montón de papeles y que concluyó Rimsky-Korsakov y revisó Shostakovich, es para algunos su obra maestra, mucho menos programada pero superior a Boris Godunov. Y tiene un preludio tan breve como precioso, introducción, tema y variaciones formando un mínimo poema sinfónico con programa del propio Mussorgsky: “Amanecer sobre Moscú, maitines con el canto del gallo, la patrulla, la retirada de las cadenas”, unas estampas en las que queda expuesta la verdadera alma del pueblo ruso, que sigue su camino ajeno a las luchas que van a sucederse en la ópera: Porque la mejor función de una obertura es situar la escena.

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El canto de las sirenas (XXXIX) – Habladurias sobre Mozart

La biografía de W. A. Mozart es de tal estilo que todavía hoy produce en lectores y críticos el mismo efecto que suelen causar las separaciones matrimoniales: todo el mundo se ve obligado a tomar partido (a favor o en contra del padre Leopold Mozart, o de la esposa Constance, o de la suegra, pero siempre en unánime hostilidad con el Gran Villano, el cardenal Hyeronimus Colloredo, el patrón de Mozart en Salzburgo). 

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¿Qué es esto? (VI-8)

concursanteIntroducción, tema y variaciones de una bonita obra, muy poco conocida. Y como es realmente dificilísimo, una ayuda gratuita: La patria del autor y la función de la pieza son deducibles.

Dos pistas de pago, a dos puntos cada una,  la segunda lleva fácilmente al autor, pero si alguien descubre la obra gracias a la primera, en vez de pagar, cobrará dos puntos más, porque es de las de juzgado de guardia.

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Cinco puntos en juego, más otro por el autor y otro por la obra si se descubren sin más recurso que la memoria.
Usar artilugios informáticos para identificar la música será penado con el fuego eterno.

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La música clásica

La gente suele caer en el error de confundir los términos «música clásica» y «música culta». Ciertamente,  entre la gente culta la música clásica es la clásica música culta, pero en época de los clásicos también había música inculta. ¿O ustedes creen que cuando Chopin se iba  de juerga con sus amigos cantaban preludios en las  tabernas? ¿O que Liszt enamoraba señoras silbándoles al  oído conciertos para piano? ¿O que Brahms calentaba las  parrandas con trozos selectos de Un réquiem alemán? ¿O  que Stravinsky animaba las orgías con El pájaro de fuego

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